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Música Clásica y ópera de Classissima

Antonín Dvorák

jueves 8 de diciembre de 2016


Pablo, la música en Siana

3 de diciembre

Como la noche y el día

Pablo, la música en SianaViernes 2 de diciembre, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo: Abono 3 OSPA, Leticia Moreno (violín), Rossen Milanov (Director). Obras de Mason Bates, Mozart y Dvorak. Con el título "Tradición y modernidad" y manteniendo la línea de programar estrenos junto a obras señeras del sinfonismo donde no falte un concierto para solista, el patio de butacas del auditorio presentaba un panorama desolador como presagiando cierto descontrol, puede que algo alentado por muchos titulares de la prensa que titulaban cosas como "Música compuesta para instrumentos y tecnología", "La OSPA presenta en Avilés su programa... incorporando a sus filas un ordenador portátil" y demás lindezas que siguen demostrando poca cultura musical unida a un desconocimiento de lo que nos rodea. Qué dirían hace unos años cuando se usaban magnetófonos, pianos preparados u otros artilugios que acaban convirtiéndose en "cotidiáfonos". Las notas al programa de Eduardo Garcia Salueña (enlazadas en los compositores) aportan la visión de un musicólogo e intérprete que vive y convive con esta forma de entender la música, actual, abierto a la tradición desde nuestros días sin necesidad de etiquetas. Ojalá el público no tuviese tantos prejuicios al escuchar obras de nuestro tiempo, que podrán gustar o no pero son de ahora. Claro que tampoco Schoenberg, Webern, Nono, Stockhaussen, Luis de Pablo, Tomás Marco y tantos otros menos programados siguen sin contar entre las preferencias de público y programadores que siguen apostando sobre seguro para no perder fidelidad. Lo malo es el futuro, a la vuelta de la esquina, que no parece augurar buenos tiempos para el sinfonismo de siempre, y solo las bandas sonoras encuentran un refugio para ello. Y todo por el estreno en España (jueves en Avilés y este viernes en Oviedo) de la obra de Mason Bates (1977) The Rise of Exotic Computing (para Sinfonietta y ordenador portátil) compuesta en 2013 que el maestro Milanov presentase ya en Oporto el abril pasado con la Orquesta de la Casa da Música. En mi juventud los vinilos se "pinchaban" pero llegados los CDs y los anglicismos a los que no podemos enfrentarnos, quienes ponían música grabada pasaron a llamarse DJ (disc jockey) y los ordenadores han sustituido el soporte físico para convertirse en herramienta compositiva y fuente sonora, algo que no exime del siempre difícil papel de componer. No es solo usar la máquina, pegar patrones y utilizar melodías de otros, que también es habitual en muchos clubes y discotecas actuales. El conocido DJ Bates domina la escritura orquestal a la que suma secuencias pregrabadas, loops o bucles, con percusiones digitalizadas (impresionante escuchar el taiko), efectos y sonoridades electrónicas (amplificadas y marcando un tempo fijo de aproximadamente 120 pulsos por minuto) que se fusionan con una orquesta donde percusión de placas con piano, además de una plantilla muy bien planteada ajustada utilizando el recurso de la repetición, más que el "minimalismo" tejen unos ambientes de lo más nocturnos, como una fiesta discotequera actual de música "chill out" en el auditorio ovetense convertido por momentos en una lounge (literalmente salón pero desde la acepción de "género de música, una variación, principalmente del jazz, que se conoce desde la década de 1950. Se caracterizaba por presentar ritmos sensuales y desprovistos de una instrumentación recargada"). Así entiende esta obra el norteamericano y su defensor búlgaro al frente de la OSPA (de nuevo con María Ovín de ayudante de concertino) que defendió la composición sin problemas, ritmo e impulso marcado por la máquina mientras los instrumentos (Sinfonietta en cuanto a obra para gran orquesta) tejían esa ambientación sinfónica mientras el percusionista Francisco Revert iba "lanzando" las dosis recetadas para una partitura actual y fácil de escuchar. Tras la noche debería llegar el amanecer pero pareció traerlo con resaca ya que la vuelta al clasicismo no solo fue un choque brutal sino una verdadera lástima. El Concierto para violín nº 5 en la mayor, K. 219 (Mozart) traía de nuevo a Leticia Moreno (Madrid, 1985) de solista pero no hubo química ni entendimiento con Milanov en ningún momento. El sonido de su Nicolo Gagliano de 1762 tampoco emergió sobre la orquesta (destemplada por momentos incluso en las trompas), solo pudimos paladearlo un poco en las cadencias, por otra parte poco limpias y más sentidas que ejecutadas, y el Adagio central que era imposible "pasarlo de cocción", pero escucharlo era como hablar "idiomas" contrapuestos entre el intimismo de la madrileña y un romanticismo fuera de lugar en la orquesta, sin controlar dinámicas ni siquiera el propio sentido musical de un concierto "de libro", porque al menos el Rondó: Tempo de Minueto tan "turco" de sabor, podría haber sido un manjar y acabó quemado. El malestar de Leticia Moreno era palpable solo mirándola y aún mayor escuchándola, sufrimiento que nos privó de una propina para dejarnos un paladar menos ácido. Esta visto que ni concertar ni el clasicismo son platos fuertes del búlgaro, algo que vengo comentando hace tiempo. La OSPA siempre ha interpretado a Dvorak de manera ejemplar, y la Sinfonía nº 7 en re menor, op. 70 no fue una excepción, el día pleno tras la noche y la resaca aunque con pocas horas de sol como corresponde a este diciembre frío de gripes varias. Me preocupa de nuevo el gesto poco preciso del titular, sobre todo cuando los brazos comienzan a dibujar círculos cual bailarín sobre el podio, que no aportan nada salvo cierta inseguridad en las distintas entradas o cambios de compás, pero la partitura del checo es tan clara y perfectamente escrita que todo fluye de manera natural, luces y sombras, noche y día, las dinámicas (que sí busca siempre Milanov) demuestran la calidad de una formación madura. Cuatro movimientos que van de menos a más, tensión en una cuerda presente como nunca pese al poderío de los metales, contenidos y de sonoridad aterciopelada optando por el color más que el calor, puesto directamente en el fuego de los pentagramas. Intervenciones como la flauta de Myra Pearse siguen siendo un placer al oído y sigo preguntándome cómo hubiese sido con maestros como el recordado Mr. Griffiths...

camino de musica

16 de noviembre

BBC Proms 2016 – Concierto Hellawell, Haydn, Sollima y Tchaikovsky

BBC Proms 2016 – Concierto Hellawell, Haydn, Sollima y Tchaikovsky BBC PROMS 2016 – CONCIERTO HELLAWELL, HAYDN, SOLLIMA Y TCHAIKOVSKY La Ulster Orchestra dirigida por Rafael Payare, dentro de los Conciertos de los BBC Proms 2016, ofrecieron las siguientes piezas: Piers Hellawell Wild Flow Estreno mundial Joseph Haydn Concierto para cello nº 1 en Do mayor, Hob. VIIb/1 01. Moderato 02. Adagio 03. Allegro molto Narek Hakhnazaryan, cello Giovanni Sollima Lamentatio Pyotr Ilyich Tchaikovsky Sinfonía nº 5 en Mi menor, Op.64 01. Andante – Scherzo. Allegro con anima – Molto più tranquillo 02. Andante cantabile, con alcuna licenza – Non allegro – Andante maestoso conRead More → BBC Proms 2016 – Concierto Bartók, Hayes y Dvorak BBC Proms 2016 – Concierto National Youth Orchestra of BBC Proms 2016: Concierto Mahler, Haydn y Bray BBC Proms 2016 – Concierto Prokofiev, Tchaikovsky,... BBC Proms 2016 – Concierto Mozart, R. Strauss y Rihm






Cuestión de Sensibilidad

19 de junio

Viktor Ullmann en el Teatro Real

VIKTOR ULLMANN ( 1898 – 1944 ) BIOGRAFÍA: Compositor, pianista, director, profesor y crítico musical nacido el 1 de enero de 1898 en Teschen, ciudad fronteriza entre la República Checa y Polonia, en aquellos tiempos perteneciente al todavía incólume Imperio Autro-Húngaro. Ambos progenitores provenían de antiguas familias judías, aunque ya convertidos al catolicismo, entre otras causas por mor de una mayor promoción militar de su padre, Maximiliam Ullmann. En 1909 se trasladan a Viena, donde completa sus estudios elementales, y cumple su servicio militar durante la I Gran Guerra en el frente italiano. En 1916 regresa a la vida civil iniciando los estudios de leyes, enrolándose en los seminarios de composición de Arnold Schoenberg, y cursando estudios de piano con Steuermann. Recomendado por el padre del atonalismo, se traslada en 1918 a Praga como asistente de Zemlinsky en el Neues Deutches Theater de la capital checa, donde sucesivamente se convierte en maestro de coro, maestro repetidor y director musical. Durante el año 1927 dirige una temporada de ópera en Usti nad Labem, programando óperas de Mozart, Wagner, Strauss y también Krenek. Entre 1929 y 1931 trabaja como director invitado y compositor de música incidental en la Zurich Schauspielhaus. Por esta época se siente muy atraído por la Antroposofía, escuela fundada por Rudolf Steiner, se une con fervor al movimiento filosófico, llegando a abrir en Stuttgart la librería “Novalis” para la difusión de estas ideas. En 1933, tras el fracaso y bancarrota de la librería, vuelve a Praga donde vive como un auténtico “freelance” musical, compositor ocasional, crítico y profesor musical. Estudia con Alois Haba la técnica microtonal. Completa la versión orquestal de sus Variaciones Schoenberg, obra con la que gana el prestigioso Premio Hertzka 1934. Dos años más tarde vuelve a obtener dicho premio por su antroposófica ópera Der Sturz des Antichrist. El día 8 de septiembre de 1942 es trasladado al campo de concentración de Terezin, donde lidera la vida musical y cultural junto con otros ilustres como Gideon Klein, Rafael Schächter y Karel Ancern. Convertido en escaparate de propaganda nazi, las autoridades del campo permitieron un gran desarrollo de actividades culturales, utilizadas como ejemplo ante el mundo. Aquí vivió su más prolífica etapa musical durante los 25 meses que estuvo internado, llegando a componer más de veinte obras, entre las que destacan su Tercer Cuarteto de cuerda, las Sonatas para piano n.5-6 y 7, Die Weise von Liebe und Tod des Cornet Christoph Rilke y su ópera Der Kaiser von Atlantis. Reproduzco aquí unas palabras suyas sobre el campo y su influencia:  “ ( … ) Terezin fue y será siempre para mí la Escuela de la Forma. Antes, cuando no era consciente del impacto de la vida material debido al confort, esa hazaña mágica de la civilización, yo encontraba sencillo concebir formas artísticas hermosas. Es aquí, donde debemos sobreponernos a las penurias de la vida material recurriendo al poder de la forma, aquí está la escuela verdadera para maestros, si convenimos con Schiller, en ver el secreto de la obra de arte en la aniquilación de la materia por la forma, que, probablemente, es la misión total del hombre, no sólo del hombre estético, sino del hombre ético ( … ) Debo enfatizar que Terezin ha potenciado, no inhibido, el desarrollo de mis actividades musicales, que de ninguna manera he asumido para llorar sobre todos los ríos de Babilonia. Y que nuestro deseo de cultura igualó a nuestro deseo de supervivencia; y estoy convencido de que todos aquellos que, en la vida y en el arte, lucharon por forzar la forma para resistir a la materia, estarán de acuerdo conmigo. ( … )“  Lúcidos y combativos comentarios. El 16 de octubre de 1944, entre otras causas, debido a la sátira que representaba el libreto de su última ópera, él y otros miembros del elenco son trasladados a Auschwitz, donde es asesinado dos días más tarde en una cámara de gas. ESTÉTICA MUSICAL: Definido como una equidistancia entre Schoenberg y Zemlinsky, en su trayectoria compositiva de distinguen tres períodos delimitados. El primero abarca desde los años 20 hasta comienzos de los 30, siendo su influencia predominante el atonalismo de Schoenberg, y a partir de mediados de la década de los 20, también Alban Berg, sobre todo a través de su ópera Wozzeck, obra que le impresionó grandemente y de lo que ha dejado fehaciente constancia escrita. El segundo período, a partir de 1933, se caracteriza por una toma de postura intermedia en una búsqueda de rellenar el vacío existente entre la estética del romanticismo y la armonía atonal, muy en la línea también de Berg. Siempre al borde mismo de la tonalidad, enfatiza el uso de la disonancia pero en relación siempre estrecha con la forma tonal e incluso con el uso de la polifonía, como podemos observar en su ópera de este período Der Sturz des Antichrist. En sus últimos años, bajo la influencia del confinamiento en Terezin, se decanta por una estética más formal y expresiva, incluso caquética obviamente, con mayor influencia tardo-romántica de un Zemlinsky, un Mahler o un R. Strauss. Hasta podríamos convenir que se hace más melódica. ÓPERAS: PEER GYNT op 6: basada en la obra de Henryk Ibsen. Actualmente perdida. DER STURZ DES ANTICHRIST op 9: ( La Caída del Anticristo ) 1935 Ópera en tres actos escrita sobre un libreto de Albert Steffen, de claras influencias antroposóficas: un soberano hambriento de poder desea el dominio del mundo. Sólo técnicos, sacerdotes y poetas, como personificación de la ciencia, la religión y el arte, se le resisten. Finalmente sólo el artista no sucumbe y es capaz de provocar su caída. El Arte como salvación del mal y vital en el desarrollo humano. Musicalmente escrita bajo el influjo del Wozzeck bergiano, todo un modelo para él, Ullmann elabora un música de gran densidad basada en armonías disonantes, con gran carga expresionista pero manteniendo siempre el dominio de la estructura formal. DIE HEIMKEHR DES ODYSSEUS op 33: 1941, actualmente perdida. DER ZERBROCHENE KRUG op 36: ( El Cántaro quebrado ) 1942 Ópera comedia en un acto sobre un libreto de H. von Kleist plagado de humor negro (judío). Publicada por el autor durante la ocupación nazi de Praga, se perdió durante la Segunda Guerra Mundial. Fue descubierta una copia en la Librería Universitaria de Praga por el director Israel Yinon quien dirigió su estreno en 1996. Escrita para diez voces solistas y acompañamiento orquestal de 63 músicos. Tras una amplia y proteica obertura, muy atmosférica, la obra está dominada por las escenas cómicas y burlescas, sobre una hiperinflación de disonancias. DER KAISER VON ATLANTIS oder DIE TODVERWEIGERUNG op.49: ( El Emperador de la Atlántida ó La Muerte abdica ) 1943 Esta ópera en un acto, satírica, potente, implacable, es su obra maestra operística. Compuesta sobre un libreto del joven poeta Petr Kien (1919-1944), está estructura en un Prólogo y cuatro escenas y desarrollada sobre siete personajes: Emperador Überall, tirano de Atlantis (barítono) Altavoz, narrador (bajo) La Muerte, el héroe de la historia (bajo) Arlequín, la vida (tenor) Soldado (tenor) Bubikopf, soldado femenina (soprano) Tambor, portavoz del Emperador (mezzo) La ciudad de Atlantis está regida por el tirano Emperador Überall quien, aislado en su palacio, gobierna a su pueblo con extrema crueldad. Arlequín y La Muerte discuten sobre el sinsentido de la situación. Cuando el Portavoz imperial anuncia la orden de provocar una guerra total de todos contra todos, sin supervivientes, La Muerte se rebela y anuncia que deja de cumplir sus deberes. Nadie más muere en todo el reino, el Emperador está horrorizado, e inicialmente reacciona con una campaña de propaganda ofreciendo a sus súbditos el regalo de la vida eterna. En la escena tercera, en el campo de batalla, dos soldados enemigos, ante la imposibilidad de matarse, acaban enamorándose pese a la insistencia del Portavoz en que se aniquilen. Con todo su reino en un limbo entre la vida y la muerte, el Emperador descubre ante el espejo el reflejo de La Muerte que le ofrece retomar sus funciones si Él es el primero en morir; Überall finalmente lo acepta como única esperanza para la humanidad. El coro final agradece y reverencia a La Muerte al grito de “… no tomarás el nombre de la muerte en vano, ahora y nunca …” ( Hitler, Goebbels o la misma Eva Braun en la vitrina ) Musicalmente compuesta para los recursos disponibles en el campo, siete voces solistas y trece instrumentistas, incluyendo banjo, saxo alto, piccolo, flauta, oboe, clarinete, trompeta, percusión, violín, viola, violonchelo, contrabajo y teclados, piano, armonium y clave, que añade un tono punzante a los recitativos. Con unos roles vocales de estatura wagneriana, la música está plagada de disonancias extremas, líneas melódicas angulosas y amplios saltos vocales, amalgamado todo por una fuerte pasión romántica ( Berg, otra vez). Una maestra mezcla de polifonía, tardo-romanticismo, cabaret y aromas jazzísticas que debió de alisar las runas de los uniformes de lo prebostes de las SS. Por nominar referencias, una conjunción de Mahler/Zemlinsky con Kurt Weill. Temáticamente ofrece unos guiños culturales enormemente expresivos e intencionados: - El tema de la muerte, presentado por el narrador ( "Hallo, hallo !" ) motivo basado en dos tritonos, extraído de la Sinfonía Asraël de Josef Suk en referencia al Ángel de la Muerte, a su vez inspirado en un motivo del Réquiem de Dvorak. - Tema de la alegría del 5º movimiento "Der Trunkene im Frühling" del Das Lied von der Erde de Mahler, en el aria de Arlequín. - El uso del himno nacional alemán “Deutschland, Deutschland, Über alles” (compárese con el nombre del Emperador), en versión macabra durante el aria del Tambor. - La utilización del coral luterano "Ein feste Burg" de la Cantata BWV80 de Bach, al final de la obra para dar de nuevo la bienvenida a La Muerte, usado como guiño a las raíces musicales alemanas. (vídeo Hervé GILLES) DER 30. MAI 1431: 1944 Proyecto de ópera en dos actos y seis escenas sobre Juana de Arco. Sólo el libreto llegó a completarse. Referente a la música sólo nos quedan dos fechas: el fin del prólogo y dedicatoria, Ullmann anota 16 de mayo de 1944, y el final de la escena 2 del acto II, 23 de mayo de 1944.

Ópera Perú

10 de junio

Virtuosos de Praga en Ciclo Sinfónico de la SFL

 Agrupación checa llega acompañada de la soprano Christina Johnston y de la guitarrista Miriam Rodriguez Brüllová.(Difusión SFL) Continuando con su Ciclo  Sinfónico, la Sociedad Filarmónica de Lima presenta a la orquesta de cámara checa Virtuosos de Praga este martes 14 de junio a las 8:00 p.m. en el Gran Teatro Nacional. Dirigida por Oldřich Vlček, la orquesta contará con  la participación como solistas de la soprano británica Christina Johnston y de la guitarrista eslovaca Miriam Rodriguez Brüllová.En la primera parte del concierto, la orquesta interpretará Serenata para cuerdas, op. 48 de Tchaikovsky; Concierto en re mayor para guitarra y cuerdas RV 93, de Vivaldi y Let the bright seraphim del aria del oratorio Samson, HWV 57, de Händel. En la segunda parte ejecutará Fandango, el  tercer movimiento del Quinteto para cuerdas en re mayor Nº 4, G. 448 de L. Boccherini; el aria de la ópera La flauta mágica de W.A. Mozart y Serenata para cuerdas en mi mayor, op. 22 de A. Dvořák.Fundada en 1986, la orquesta de cámara Virtuosos de Praga es considerada actualmente como una de las agrupaciones musicales checas de más prestigio a nivel internacional. Debido a su gran calidad, la orquesta ha sido dirigida por maestros como V. Neumann, A. Rahbari, P. Schreier, P. Meyer H. Griffiths, H. Rilling,, etc.  La lista de solistas con los que la orquesta ha tenido el placer de tocar incluye nombres de la talla de Plácido Domingo, Barbara Hendricks, Mstislav Rostropovich, Igor Oistrakh, Sergej Krylov, por mencionar algunos.Ha grabado más de 200 discos los cuales han sido producidos por diversos sellos como Supraphon, Orfeo, Discover, Claves y Koch International, y se ha hecho merecedora de dos discos de platino de Supraphon.Oldřich Vlček estudió violín y dirección en la Academia de Arte de Praga. Desde 1980 se desempeñó como concertino y director de la Orquesta de Cámara de Praga. En 1990 restableció la nueva orquesta de cámara Virtuosos de Praga, que fundó en 1976. En 2001 fundó y desde entonces dirige la nueva State Theatre Prague orchestra – Amadé, que es un anexo de la Orquesta del Teatro Nacional de Praga. A partir de 2004 se convirtió en uno de los principales directores del Teatro Nacional de Praga. Miriam Rodriguez Brüllová estudió en el Conservatorio Estatal de Bratislava. Después de obtener su licenciatura en interpretación y pedagogía en la Academia de Artes Escénicas en Bratislava estudió con el guitarrista y pedagogo Alvaro Pierri en la Universidad de Quebec en Montreal y en la Universidad Laval en Quebec, donde obtuvo una maestría en interpretación (2001). En 2003 completó sus estudios como estudiante de postgrado en la Universität für Musik und Darstellende Kunst de Viena. Ha actuado como solista con la Jerusalem Symphony Orchestra, Orchestra Sinfónica di Roma, Slovak Radio Symphony Orchestra, Orquesta Filarmónica de Bogotá, Universal Symphony Orchestra Seoul, North Czech Philharmonic, entre otras. En 2005 creó el festival internacional Bratislava Chamber Guitar, del cual es directora artística y actualmente ejerce la docencia en el Conservatorio de Bratislava.Christina Johnston fue becada en la Guildhall School of Music and Drama, en 2006. Se ha presentado con diferentes directores y ha asistido a clases maestras con Dame Kiri Te Kanawa, Renée Fleming, Emma Kirby e Yvonne Kenny. Asimismo, ha participado en diversos certámenes musicales, incluyendo el International Mozart Competition, donde obtuvo el tercer lugar; el International Antonin Dvorak Vocal Competition y la National Performing Arts Competition, donde llegó hasta la final. Se trasladó a Praga, donde actualmente estudia bajo la dirección del maestro Jiri Kotouc, de Jelena Noskova, correpetidora de la Ópera Estatal de Praga y de Richard Hein, director de la Ópera Estatal de Praga. Ha interpretado el rol de Olimpia en Los cuentos de Hoffman de Offenbach, en el Kazan Opera House de Rusia y recientemente hizo su debut en La flauta mágica de Mozart como la Reina de la noche, dirigida por Richard Hein en la Ópera Estatal de Praga.Entradas a la venta en Teleticket de Wong y Metro.

Antonín Dvorák
(1841 – 1904)

Antonín Leopold Dvo?ák, compositor checo (8 de septiembre de 1841 - 1 de mayo de 1904), posromántico y nacionalista; uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Sin perder una amplia proyección internacional, supo extraer las esencias de la música de su tierra: Bohemia.



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